Conversa amb l'artista María Antonia Sánchez

Hola amics!

Tal com us vaig prometre avui coneixerem a una gran artista, la María Antonia Sánchez, la Maru.
Serà una conversa molt divulgativa, en que ella ens explicarà les tècniques utilizades en cada una de les seves obres. Segur que aprendreu moltes coses!

¿Cuándo empezaste a pintar?

Creo que comencé muy pronto, con sólo 4 años pinté una gallina, que nunca había visto de verdad, la copié de algún sitio, pero le puse cuatro patas en lugar de dos. Creo que fue pura lógica por mi parte, ya que sí había visto gatos, perros y todos tenían cuatro patitas, así que quise superar el dibujo que había visto y aquello causó la risa de mis padres y por eso lo recurdo.

¿Estudiaste en una academia o fuiste autodidacta?

Durant años, y al ser la mayor de cinco hermanos tuve que ayudar en casa y en el negocio familiar y dejar a un lado mi vocación, pero siempre la alimentaba, había junto al negocio de mis padres una galería de Arte que aún existe, y yo me escapaba a mirar esos cuadros tan interesantes y de tan diferentes estilos, y pensaba, "Algún día yo pintaré y expondré".

Con el tiempo pude ir a clases de dibujo y pintura con Teresa Pomares, durante cuatro años, sería del 1994 al 1998. Más tarde me interesé en aprender fotografía analógica y digital con Dolores Rudolphi, durante otros cuatro años. A partir del 2002 y por casualidad entro en contacto con el grabado, en el taller del Museo del Grabado Español Contemporáneo, y con María José Montañés, mi maestra y amiga aprendo diferentes técnicas de iniciación y otras de especialización como Algrafía, y Calcografía.

Ya en 2005 decido hacerme mi propio taller, pues el grabado me atrapa por completo.

Me interesa aprender y aprendo de diferentes maestros, como Sebi Subirós, Miguel Ángel Villarino, Emilio Sdun, Graciella Buratti, Manuel Vela, Pavel Albert, Ana Matías.

También me interesé por la fabricación de papel artesanal japonés y aprendí con Carolina Larrea, el Paper Art con Jim Lorena, y encuadernación con Albertina Tafolla.

En los últimos años estudio Historia del Arte, a un ritmo bajo, sin prisas y además con pausas, pero me llena. 

¿En qué técnicas te interesaste en experimentar y por qué?

Al principio me interesaban todas, aprendía y a continuación las practicaba en mi taller, luego y porque no tenía un buen tórculo, dejé a un lado la calcografía, y me interesé por el collagraph y el monotipo, era lo que podía abordar con mi tórculo sin dañar las planchas, pues la de metal salían del tórculo curvadas, así tuve mucho tiempo y me dediqué a hacer obras con estas técnicas, y los libros de Artista que al ser pequeños formatos no me daban problemas.

A partir del año pasado, que hice una ampliación de mi taller la cosa cambia, adquiero un tórculo bueno, de tamaño mediano, que me permite trabajar la calcografía a mi gusto y es entonces cuando puedo comenzar a hacer obras que estaban latentes en mi mente y no podían salir, con los medios que tenía, técnicas de alcograbado, y otras obras calcográficas combinadas.

También adquiero varias máquinas de imprenta, así como chibaletes con tipos de plomo y madera, comenzando un proyecto junto con María José Montañés tanto expositivo como didáctico, por medio de la Tipografía Experimental.

Con estas obras tan vegetales utilizaste hojas de verdad?

Sí, son dos monotipos, suelo hacerlos entintando un acetato, a veces incluyo algún grabado en punta seca en la composición, además de plantillas, y como en este caso he añadido plantas de verdad, que he entintado en un color más oscuro, y otras no las he entintado y por eso quedan de color blanco a modo de reserva y otros efectos que me encantan, como que salgan de la composición general. Además esta serie lleva impresa un haiku, también compuesto por mí.

                                                                                                      

¿Cómo nació esta serie de las cavernas?

Pues hace algunos años comencé a interesarme por el arte rupestre y me inspiró esta serie de monotipos en los que las texturas simulan piedras y las siluetas zoomorfas son las protagonistas. 

¿Qué querías transmitir con "No me etiquetes"? Por cierto, me encanta la variedad.

En este caso, he querido hacer una reinvindicación, a favor de la mujer. Se trata de un "libro objeto", en el que las páginas son las etiquetas y estas son apelativos de carácter degradante que rozan el insulto, como "vieja", "anoréxica", "ilusa", "gorda", etc...

En esta obra he utilizado varias técnicas, incluso el packaging, para el contenedor con impresiones de fotograbado además de transfer y bordado de etiquetas. Es una obra editada de seis.

 

Cada etiqueta tiene un tratamiento, desde la elección del papel, el color y el mensaje está muy pensado. Por ejemplo, en la etiqueta "Gorda", el papel es super grueso, además del formato de la etiqueta que es muy ancho, y se puede leer:

Estilo: Gorda
Color: Oscuro
Talla: XL
Precio X2

En cambio en la etiqueta "Anoréxica" el formato es muy alargado y las letras a penas caben dentro del diseño, que lleva una especie de calavera y la letra "i" en rojo, la letra más delgada del afabeto, a modo de alerta de peligro...

También he jugado con símbolos en la elección del color, es una obra más intelectual, de las que a veces cuando la explicas gusta más porque se comprenden detalles que pasan inadvertidos.

 


Explica a los lectores cómo hiciste este libro de artista. Es bellísimo...

Gracias, eres la primera que lo ve, es una primicia porque ho hice hace poco y no lo había mostrado. Se trata de un libro plegado en acordeón, es una deconstrucción de una obra en formato grande, una aguantinta, que lleva el mismo título, Ophelia, inspirada en el personaje de la obra de William Shakespeare: Hamlet. Lleva un gofrado en el papel que hace de soporte de las aguantintas que van colgadas con cuerdecitas y cortadas con forma de etiqueta.

En la primera página lleva el título en papel washi kozo así como el colofón en la página final. 

¡Qué pasada! Es difícil conseguir que una obra tenga tanta fuerza?

Bueno... no siempre se consigue pero si detrás hay una historia es más fácil. En este caso me inspiré en el fantasma de una monja tipógrafa, que habita en mi taller, si, si... perdió la mano con una minerva, y cerraron la imprenta del convento de las carmeliotas Descalzas de la ciudad de Antequera en la década de los 60. Yo le compré un chibalete con tipos a un señor que tiene una imprenta y este mueble procedía de este convento. Me contó la historia y me pareció muy interesante, ya que los cajones del chibalete llevan un rótulo para mostrar el tipo de letra que hay dentro, y son como oraciones, frases que suenan a jaculatorias, y una de esas frases es el título de esta obra que es un libro de artista en acordeón en Paper-Art  "Coge mi mano".

La histora era muy sugerente, y como a veces pasaban cosas en el taller comenzamos a culpar a la monjita, que al final es como una más porque raro es el día en que no la nombramos, medio en broma, medio mosqueadas cuando se pierden las cosas que luego aparecen y cuando se va la luz, cosas así.





























Para conseguir estos difuminados qué es lo que tenemos que tener en cuenta?

Estos difuminados son una combinación de varias técnicas usadas por Miró, y yo las he usado en un solo color y en una sola plancha. Esta obra está inspirada en una visita que hice al pueblo fantasma Belchite, que quedó destruido por la guerra civil española. Me impresionó ver la casas llenas de agujeros, destrozadas  de estas sensaciones surgió esta obra. Ver el cielo desde dentro de las casas, ver el cielo por las ventanas y por los agujeros de las paredes se tradujo  en estos difuminados.

¿Qué diferencia hay entre obra gráfica y el grabado?

Hay diferencia. Todos los grabados son obra gráfica, pero no toda la obra gráfica es grabado.

El Offset no es grabado, pero es obra gráfica, ni la litografía es grabado, ni la serigrafía es grabado, pero todas estas técnicas son obra gráfica. La fotografía no es obra gráfica pero si se edita en offset, o en fotograbado, entonces sí.

¿Qué es la impresión monotipo?

Es una estampa resultante de la impresión de una composición, que se ha realizado sobre una superficie que no está grabada. Se trata de pintar sobre una superficie, componer con plantillas, agregar y retirar tinta, collages, puedes retirar la pintura con papel o lo que quieras y superponer varias capas o estampaciones sobre el mismo papel, etc.
El resultado es una estampa única porque no hay pancha trabajada que puedas volver a estampar. Es una de mis técnicas favoritas, porque me divierto mucho con ella y es muy agradecida.



Cuando te encargan un cartel, qué es lo primero que tienes en mente?

Bueno, en realidad no me han encargado nunca un cartel, lo que he hecho ha sido participar en concursos presentando carteles para fiestas, a veces lo he hecho y he tenido suerte. Es un reto, tienes que hacer algo que sea novedoso, sin serlo demasiado porque es un tema popular, y bueno el premio suele ser interesante doblemente porque además de ser económico, al ser en tu tierra, donde te conocen, es más emocionante, que te feliciten los vecinos, familiares, te da un subidón.

Ahora está estudiando Historia del Arte. ¿Qué artistas te han influido y por qué?

¡Muchos y de muchos estilos! Pero de los que más me gustan y han influido en mí, en diferentes etapas son: Esteban Vicente, Robert Rauschenberg, Eduardo Chillida, Antoni Clavé, Miró. Podría decir muchos, pero estos en concreto me encantan. 

                                                                                    
                                                                             
                

                                                                            Robert Rauschenberg                     

 Antoni Clavé

Eduardo Chillida

Viendo esta foto se ve que das importancia al contacto con otros artistas, es así?

Sí, como no! Mi querida Társila Jiménez que vino a visitarme porque estaba de vacaciones en Marbella y me llamó, es encantadora y María José Montañes mi socia, compañera en el taller y profesora de grabado del taller de MGEC.

Este verano he tenido las visitas de mi querido amigo, Paco Mora, Aurora Caher, Carlos M Bonmatí. Liviana Leone, Sebi Subirós.
Me gusta mucho compartir y siempre salen temas interesantes.

Serás alumna del artista Sebi Subirós. Con esta obra se ve una persona con gran sentido del humor, me equivoco?

No, no equivocas, "es especial" como persona y como profesor, recomendable el 100 x 100.
Sebi Subirós es un artista pero también un estampador extraordinario y en sus cursos se aprende muchísimo porque enseña muchos recursos que él utiliza en su taller cuando edita obras de grandes artistas, sus trucos, al margen de la técnica que enseñe te sirven para saber cortar el papel, hacer registros a su manera, super prácticos, muchas cosas...
Para mi ha sido un antes y un después desde que hice un curso con él en Fuendetodos, es genial!

   

 
      
   Sebi Subirós





Has ganado premios y tienes un gran pretigio artístico. ¿Este te da alas para seguir creando?

Hace años cuando empezaba recibí varios premios, de fotografía, alguna selección en bienales de grabado... mi reacción fue que me asusté mucho y dejé de presentarme a concursos, esto fue en 2005. Mi reacción fue esa y me puse aprender de todo, cursos, y más cursos hasta hoy.

Este año he vuelto a presentarme a concursos, y he obtenido selección en dos concursos de grabado y en uno de libros de artista, y también me han incluido en el proyecto de investigación artística dirigido por José Fuertes: Arte Cisoria, Universidad de Salamanca (ATA Instituto Universitario de Investigación en Arte y Tecnología de la Animación), la Casa Falconeri de Cerdeña, el Instituto Juan Gil Albert (Centro Eusebio Sempere) de Alicante y el Taller PMPGRAFIX dirigido por Paco Mora (www.pmpgrafix.org).

Catálogo digital en: www.iberoprinter.com/artecisoria

Y la primera de las exposiciones de este proyecto que irá a Italia y México además de España será:

     

          Inauguración  Exposición Colectiva  Arte Cisoria

          Viernes 19 de Septiembre a las 20 h

          Sala Alejandro Ramos Folqué. MAHE. Elche (Alicante-Spain)

          Estará expuesta hasta el 19 de noviembre

          
En diciembre la tendremos en el Museo Municipal de la Cuchillería de Albacete...

El trabajo va dando sus frutos.  Y ahora sí que los premios me van dando alas para seguir sin vértigo. Creo que todo requiere su tiempo, sentirte que lo mereces y no que sonó la flauta por casualidad que aunque no fuese así pues no te lo crees cuando empiezas. 

 Gravat premiat


 

















Ara ens adentrarem abans d'acabar la conversa en una nova faceta de la Maru, la de la fotografia... Segur que us encanta!




¿Qué técnica has realizado para hacer estas fotos?

Se llama fotograma, es una técnica de fotografía analógica, se trata de una instantánea realizada sin cámara, por lo que no existe negativo y no se puede reproducir, (ahora sí, escaneándola, pero ya no es lo mismo).

La instantánea se realiza con la ampliadora de revelar fotos en la que hemos colocado un cristal con elementos translúcidos sobre él, botellas y otros objetos no opacos, que dejen pasar la luz. Debajo del cristal tenemos un papel fotográfico de fotografía a color. Todo esto en completa oscuridad y sin ni siquiera la luz roja de seguridad. Dejamos entonces pasar la luz de la insoladora el tiempo que necesite y esta pasará a través de los objetos e impresionará el papel, que revelaremos a continuacion enrollándolo e introduciéndolo en un cilindro especial que se cerrará y no dejará pasar la luz, pero sí los líquidos reveladores. Entonces abrimos la luz y a continuación vamos introduciendo los líquidos y vaciando el contenido, dejando los tiempos necesarios y luego enjuagando con suficiente agua.

Estos fotogramas tienen ya 12 años, es una técnica que ya no utilizo, pues el digital lo invade todo, pero me gustan mucho y quiero compartirlo.  



                                                                                    




¿Los objetos escogidos tienen algún significado para ti?

Pues muchas veces sí.

El subconsciente está ahí siempre mandando señales. A veces lo percibes, luego descubres el porqué has hecho esto así o has elegido una cosa y no otra. Aunque aparentemente creas que lo haces porque te apetece, creo que todo nos influye pero hay cosas que tendemos a exteriorizar con más fuerza en nuestras obras.
En mi caso es la naturaleza lo que más me inspira.

Supongo que aquí hay mucho de "Man Ray"...

Supongo que sí, siempre bebemos de los grandes maestros, también me apasiona la obra de Sebastiáo Salgado, sólo que yo no retrato personas, es muy difícil. A veces he querido plasmar una imagen de alguien que en ese momento me conmovió o me inspiró, pero no puedes disparar primero y pedir permiso luego, el instante es el instante, luego ya no vale, ya es una pose y no me interesa.

 











Man Ray




Sebastiáo Salgado






¿Cómo has conseguido plasmar tanta flexibilidad en esta imagen?

Esta imagen no la tomé en blanco y negro, la hice en color, porque es digital. Hice varias con flores mustias de un jarrón que ya tenía que cambiar. Las flores ajadas muestran otra belleza más interesante, recuerdo que me puse fuera de casa a hacer las fotos y puse las flores sobre la sábana, cuando iba a disparar se levantó un poco de viento y movió la flor que al estar seca ya no pasaba nada, y al tiempo de disparar esta se movió. Estos accidentes son los que me emocionan. Luego el tratamiento digital hizo un poco el resto, con el fondo negro.

http://marudemarbella-tallergrabado.blogspot.com

http://mariaantoniasanchezmaru.blogspot.com 

Ja ho veieu, una artista amb prestigi, que li apassiona el seu món creatiu, que creu amb ell i sobretot una persona amb una gran modèstia i carisme.