divendres, 25 d’abril del 2025

Descobreix el talent de la Mar Sánchez, joiera


Hola amics!

Avui recupero una entrevista del 2013 a un artista que admiro, la joiera Mar Sánchez. Les seves peces traspassen els límits establerts i són d'una gran originalitat.





¿Cómo entraste en el mundo de las joyas?


Pues fue de una forma muy casual. Siempre quise estudiar Bellas Artes, escultura concretamente. La joyería, en ese momento no me atraía especialmente. Cuando tuve que tomar una decisión de qué estudiar me decidí por el diseño de volumen, que era una forma de dar salida a la inquietud creativa que tenía. Había ciertas conexiones con la escultura y me permitió trabajar con diferentes materiales y conocer técnicas que posteriormente he aplicado a la joyería.



La vida da muchas vueltas y mi forma de ganarme la vida nada tenía que ver con esto. Pero bastantes años más tarde tuve ocasión de acudir a un curso que despertó en mi el interés por el trabajo del metal. Ya ahí empezó todo.


¿Qué te sedujo de ellas?


La joyería me permitió, sin grandes infraestructuras, un montón de posibilidades. En las primeras piezas empecé combinando la plata con materiales naturales, principalmente. Pero pronto sentí la necesidad de experimentar con técnicas y materiales que no son propios de la joyería tradicional.




Me atraía el hecho de poder realizar pequeñas u objetos que se pudieran llevar. Este aspecto funcional de la joyería para mí la sitúa en un lugar de privilegio frente a otras artes que se exponen exclusivamente en museos o galerías. Supone poner el arte al nivel de la calle, para que cualquiera pueda disfrutarlo.


Viendo tu pieza ganadora parece que estás muy ligada al mundo de la moda, es así?


Puede parecerlo, pero no es así. Alguna vez he hecho alguna colaboración puntual con algún desfile y está muy bien. Me gustaría mucho trabajar con un diseñador de moda en los complementos de sus colecciones. Me inspira muchísimo el trabajo de algunos de ellos.



¿Cúal fue el punto de partida en el diseño de la pieza?


El punto de partida fue el libro de Italo Calvino titulado "Las ciudades invisibles" que da nombre a mi proyecto. Éste refleja mi visión personal de la ciudad moderna. Fue un pretexto para cuestionarme temas existenciales, como la soledad o la felicidad, conceptos como la solidez y la fragilidad, lo efímero y lo eterno, las luces y las sombras...

Esta pieza en particular muestra una ciudad a ratos estresante donde los acontecimientos suceden deprisa, de múltiples calles y callejones que se cruzan, que nos plantean diferentes caminos y opciones, que nos obligan a tomar decisiones a cada momento. Es intencionalmente plana como si fuera la sombra que proyectan los edificios y así mismo, el fino grosor del hilo ayuda a dar la sensación de que en cualquier momento se puede romper.


Otras obras de este mismo proyecto, están realizadas con múltiples piezas ensambladas y hablan de una ciudad cambiante, siempre en movimiento, de arquitecturas temporales. El hecho de arriesgar o desafiar la solidez y la permanencia de las construcciones, igual que ocurre en la realidad, era uno de los objetivos.

Todo el proyecto de Ciudades Invisibles está hecho en blanco y negro, como símbolo de la visión dual que yo tengo de la ciudad, luz-sombra, plaer-dolor...


La gente asocia a las joyas como colgantes, anillos... en dónde la situamos?


Es un collar de una pieza. Quería que la persona que se lo pusiera tuviera la sensación de "penetrar" en una especie de ciudad.


¿De qué material está hecho? No serán hilos de plata...


Éste concretamente está realizado con hilos de cobre esmaltados. Si están hechas con hilos de plata otros piezas del proyecto, pero ésta no porque buscaba el impacto del blanco puro.


Felicidades por tu premio FAD... crees que éste te dará alas para tu carrera profesional?


Muchísimas gracias. Siempre es muy positivo el reconocimiento de los compañeros de profesión. Es un impulso muy fuerte el que recibes cuando ves que un jurado conecta con lo que haces, y saben ver el valor artístico de un trabajo tan personal.


Mar Sánchez junt amb el també premiat dissenyador de moda, Josep Abril












dijous, 10 d’abril del 2025

Descobreix el talent de Ramon Álvarez

  

Hola amics!


El "TASTET" és una peça on hi ha inclosa una de les meves joies...

Ara sabreu per què...


Recupero una entrevista del 2013... 



El arquitecto Ramon Álvarez es un hombre emprendedor que tiene en marcha una original colección a la que ha llamado "Andante" donde se utilizan hormas de zapato para convertirlas en obras de Arte. En ella participan artistas de todo tipo: pintores, escultores, fotógrafos, poetas, músicos, joyeros, bailarines, arquitectos.... Empezó con unas pocas hormas recogidas en el desván de su suegro en el precioso pueblo de Allariz (Orense) procedentes de antiguos zapateros del pueblo y que entregó a amigos artistas y en menos de 3 años lleva repartidas más de mil y a día de hoy la colección cuenta con más de 500 obras ya realizadas. Todo un éxito.


Hola Ramon, dónde surgió la idea de convertir una horma de zapato en una obra de Arte?


Pues la verdad es que no sabría decirte exactamente donde fue, hace tiempo con la aparición del Arte Contemporáneo en donde elementos cotidianos fueron utilizados para crear arte, seguro que la horma sirvió entonces como fuente de inspiración y soporte de artistas. En mi caso fue un cúmulo de pequeños acontecimientos , algunos más importantes que otros, pero fue suma de todos ellos lo que hizo que Andante se pusiese en marcha algo más de dos años.


¿Cuáles fueron las primeras reacciones de la gente?


La primera reacción fue mía, me quedé enormemente sorprendido cuando recibí las primeras 5 o 6 piezas, me parecieron simplemente maravillosas. Luego, cuando decidí mostrárselas a la gente, se confirmó la primera impresión; no hace falta ser un gran conocedor del arte para disfrutar viendo estas obras creadas con hormas.



¿Cómo contactas con los artistas?


Los primeros artistas a los que les pedí que me hiciesen algo con una horma eran amigos, la mayoría muy amigos por lo que además de participar ellos convencieron a otros artistas amigos suyos para que participasen... a partir de ahí fue una bola de nieve.


















¿Dónde han sido expuestas y han traspasado las fronteras?


Las primeras exposiciones se realizaron a finales de 2010 en Santiago y en Allariz (Orense) coincidiendo con el año Xacobeo y con un enorme éxito de público y crítica. A mediados de 2011 casi 200 piezas fueron expuestas en el MACUF (Museo de Arte Contemporáneo Gas Natural-Fenosa) de A Coruña con una puesta en escena espectacular. El año 2012 fue en alféizar de León donde casi 300 piezas fueron expuestas durante casi 6 meses ampliando por dos veces el plazo previsto. Para este año ya hemos comprometido exposiciones en Ponferrada y en el Museo Simeón de Ourense y posiblemente crucemos por primera vez fronteras exponiendo en Portugal.




¿Cree que las redes sociales substituirán a los promotores culturales?


Las redes sociales ayudan de una manera increíble en la promoción y conocimiento de proyectos, obras y artistas pero en mi opinión nada podrá substituir nunca a la sensación que produce ver una obra de arte en directo o conocer a un artista en persona y estas cosas no pueden hacerse por correo electrónico o desde un ordenador. En estos tiempos difíciles donde la cultura cuenta con mínimos recursos, los promotores culturales deberán derrochar dosis de imaginación y de ilusión para que la gente pueda seguir disfrutando del arte. Estoy convencido de que ANDANTE cuenta con todo lo necesario para promocionar la cultura y el arte contemporáneo con mínimos recursos, tan solo se necesita algo de tiempo para convencer a quien pueda ayudarnos en este ambicioso objectivo de crear en Museo para dar a conocer el lugar y la fecha.


¿Cómo ve el mundo del Arte en nuestro país?


Con mucha preocupación pues apenas lo veo como me gustaría verlo.


Han passat molts anys i el seu projecte ha donat un gir espectacular!!




Exposició Andante a El Ecuador!


@colección_andante





dijous, 3 d’abril del 2025

Descobreix el talent de la Montse Rocabert


Hola amics!

Avui aprofito per penjar una entrevista del 2018 a la pintora i amiga Montse Rocabert. Un diàleg molt fluïd i ple de saviesa...


Espero que us agradi!




Com t'arriba la inspiració?


La inspiració, com deia Pablo Picasso, "existeix però t'ha de trobar treballant", i és totalment cert, sigui quina sigui la teva activitat, il.lustració, fotografia, escriure, dissenyar o crear una obra artística de qualsevol tipus, requereix una gran dosis de creativitat i com no també d'inspiració. Si esperem que aquesta ens truqui a la porta, difícilment arribarà, potser millor començar per sentir que hi ha alguna cosa que t'apassiona, que tens una necessitat important de plasmar-ho o que tens un estímul pel qual comences a fer recerques, investigues i estires un fil conductor... a vegades visible però també et pot passar que aquest fil no sàpigues d'on ve o cap on va. Llavors en mig d'aquesta ebullició o efervescència et dóna un estímul necessari per avançar i poder continuar amb el teu treball.


T'és difícil la tria de colors?


No, gens, és una cosa que ni jo mateixa entenc massa, no tinc un patró, no em cal pensar si els colors que trio són complementaris, adequats o no, de fet em ve a la memòria una cançó de Raimon, "Oh, desig de cançons" en la que diu que ell no tria les cançons, doncs aquestes li venen a ell, quan? ni ell ho vol saber...


Doncs seria una mica això, els colors em venen a mi, em miren i van entrant pels ulls i per la pell i quan arriben es fan notar i alguns si volen es queden i fan niu, d'altres passen de llarg i queden amagats sota les capes de pintura... hi ha una col.laboració natural entre els colors i la meva mà que es complementa sense cap mena d'esforç i acaba sent una mena d'experiment o joc intuïtiu del qual en gaudeixo plenament.


Les teves pintures tenen com unes gotes allargassades... què vols comunicar amb elles?


Bona pregunta!! I alhora complicada de contestar-la... però som-hi!


Cada detall, per petit que sigui, cada quadre, cada obra, amaga infinitat d'anécdotes, sovint vivències viscudes, amb les capes de pintura, color i textura hi ha una història i forma part d'un univers riquíssim de moments personals, de la mateixa manera que es viu la vida, amb tota la seva naturalitat, des d'un malestar a un estar més conscient i calmat, el quadre també es va formant amb el seu conjunt de tots aquests elements.





A vegades utilitzo símbols, lletres, teixits o la pròpia pintura que cau en les diferents capes del quadre, m'agrada deixar en evidència que el regalim tingui la probabilitat d'esdevenir alguna cosa, potser ell sol no ens diu res però és en el seu conjunt de tota l'obra que pot suggerir o despertar el contingut i la interpretació. És com un teixit, que es van creuant els fils horitzontals i verticals, i sorgeix la trama de la tela, un fil sol no fa la tela, són milers de fils que s'han creuat a dalt i a baix per creuar una figura, és molt metafòric però vindria a ser això.


L'art ens serveix per plasmar emocions?


En el meu cas, no hi ha cap dubte. No puc plasmar una història sense passar pel filtre de les emocions o les reaccions que la vida contemporània em provoquen i que després intento traspassar en el llenç de manera més conscient o no. És com quan un escriptor, per exemple, a través del seu personatge principal, hi pot introduir i desvetllar contingut personal, ho veig com una mena de d'alliberació i de coneixement profund cap a un mateix.





El meu art en aquest sentit és una resposta a la necessitat d'expressar alguna cosa, un diàleg propi, un aparador on mostro el meu sentir, en definitiva un espai vital que em fa sentir viva, més en pau i feliç.


Veient les fotos dels rostres em ve una idea... una imatge val més que mil paraules?


És una dita o un tòpic? De fet, et puc dir que jo mateixa utilitzo molt aquesta frase... a vegades no hi ha res millor que veure les coses per entendre-les doncs està molt clar que la imatge sempre és molt més convincent i ràpida. En els darrers 80 anys, la fotografia i per tant la imatge, ha sigut un icona a nivell de reinvidicació social, de protesta i denúncia i d'art en definitiva. 


Una bona foto sempre crea un moviment de consciència a l'espectador, una emoció tant positiva com negativa, en els darrers temps l'evolució tecnològica que fa possible tenir una càmera a mà a l'instant, a través del mòbil, ha obert un camp de possibilitats molt gran a tothom, però com que estem utilitzant símbols per poder expressar-nos val a dir que no podem només quedar-nos amb els estereotips de les imatges doncs això seria imposar-nos una visió molt reductista del món de les llengües i de la paraula.


Quan em fas referència a "els rostres", et puc dir que la imatge fotogràfica que veus és el resultat final, però durant el desenvolupament del projecte, el llenguatge va ser molt important i necessari, ens va permetre comunicar els nostres pensaments i sentiments, les d'històries i comèdies que els meus familiars varen representar amb el seu llenguatge corporal, van ser el motor per arribar finalment a captar aquella part de la interpretació que volia aconseguir. Va ser tot un procés fins arribar al resultat final i una experiència per a tots molt gratificant.


Avui encara em diuen que volen tornar a col.laborar amb un nou projecte fotogràfic, ells estan disposats, només els haig de dir quan i l'engranatge començarà a funcionar novament...